Dyplom z fotografii i prezentacji operatorskiej. Dyplom kompozycji fotograficznej i fotografowania. Podstawa sztuki operatorskiej: umiejętność widzenia i wyboru. Wymagania dotyczące kompozycji w malarstwie i fotografii

Zapowiedź:

https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji, załóż konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Termin „fotografia” pochodzi od greckich słów foto – światło i grapho – pisać. Tak więc fotografia przetłumaczona na język rosyjski oznacza dosłownie malowanie światłem. W nowoczesnym szerokim znaczeniu fotografia to rejestracja obrazu na specjalnym materiale (papier, klisza, płyta). Historia fotografii

X wiek Pierwsza kamera obscura została stworzona przez arabskiego fizyka i matematyka Alhazena

1769 Camera obscura: nieprzezroczyste pudełko z lustrem.

1727 Johann Schulz wprowadził do procesu fotograficznego sole srebra reagujące na światło.

1826 Joseph Nicéphore Niépce Pierwsze na świecie heliograficzne zdjęcie Niépce, wykonane z natury w 1826 roku. Widok z okna jego pracowni.

1835 William Henry Fox Talbot wynalazł metodę wytwarzania negatywu fotograficznego

1839 Rosja Julius Fedorovich Fritzsche Fotografie liści roślin, wykonane metodą Talbota.

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji, załóż konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Historia fotografii

Fotografia (francuskie photographie z innego greckiego φως/φωτος – światło i γρ αφω – piszę; light painting – technika rysowania światłem) – uzyskiwanie i zapisywanie statycznego obrazu na materiale światłoczułym (klisza fotograficzna lub matryca fotograficzna) za pomocą aparatu fotograficznego .

W szerszym znaczeniu fotografia to sztuka fotografowania, gdzie głównym procesem twórczym jest znalezienie i wybór kompozycji, oświetlenia oraz momentu (lub momentów) zdjęcia. O wyborze decydują umiejętności i umiejętności fotografa, a także jego osobiste preferencje i gust, co jest typowe dla każdego rodzaju sztuki.

Obrazy za pomocą światła widzialnego odbitego od przedmiotów uzyskiwano w starożytności i wykorzystywano do prac malarskich i technicznych. Metoda, nazwana później fotografią ortoskopową, nie wymaga poważnych urządzeń optycznych. W tamtych czasach używano tylko małych otworów, a czasami pęknięć. Obrazy były rzutowane na powierzchnie przeciwległe do tych otworów.

Ponadto metodę udoskonalono za pomocą przyrządów optycznych umieszczonych w miejscu otworu. To było podstawą do stworzenia aparatu, który ogranicza wynikowy obraz od flary do światła nieniosącego obrazu. Aparat nazwano obscura, obraz był rzutowany na tylną matową ścianę i przerysowywany wzdłuż konturu przez artystę. Po wynalezieniu metod chemicznego utrwalania obrazu, camera obscura stała się konstrukcyjnym prototypem aparatu fotograficznego. Nazwa „fotografia” została wybrana jako najbardziej eufoniczna z kilku opcji w Académie française w 1839 roku.

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji, załóż konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Historia fotografii (ciąg dalszy)

Dlatego za pierwszą fotografię w historii uważa się fotografię „widok z okna”, uzyskaną przez Niepce'a w 1826 roku za pomocą camera obscura na blaszanej blasze pokrytej cienką warstwą asfaltu. Ekspozycja trwała osiem godzin w jasnym świetle słonecznym. Zaletą metody Niépce'a było to, że obraz uzyskiwano w reliefie (po wytrawieniu asfaltu) i można go było łatwo odtworzyć w dowolnej liczbie kopii.

W 1839 roku Francuz Louis-Jacques Mande Daguerre opublikował metodę uzyskiwania obrazu na miedzianej płytce pokrytej srebrem. Po trzydziestominutowej ekspozycji Daguerre przeniósł płytkę do ciemnego pokoju i przez pewien czas trzymał ją nad ogrzanymi oparami rtęci. Daguerre użył soli kuchennej jako utrwalacza obrazu. Zdjęcie okazało się dość wysokiej jakości - dobrze dopracowane szczegóły zarówno w światłach, jak iw cieniach, jednak nie udało się skopiować obrazu. Daguerre nazwał swoją metodę uzyskiwania obrazu fotograficznego dagerotypem. Oryginalny aparat Daguerre, wykonany przez Alphonse'a Giroud, ma wymiary 12 "x 14,5" x 20 ". Napis na etykiecie „Urządzenie nie podlega gwarancji, jeśli nie jest opatrzone podpisem pana Daguerre i pieczęcią pana Giroud.

Niemal w tym samym czasie Anglik William Henry Fox Talbot wynalazł metodę uzyskiwania negatywowego obrazu fotograficznego, którą nazwał kalotypią. Jako nośnik obrazu Talbot użył papieru impregnowanego chlorkiem srebra. Technologia ta łączyła w sobie wysoką jakość i możliwość kopiowania zdjęć (pozytywy drukowano na podobnym papierze).

Zestaw fotografa, ważący od 70 do 120 funtów, potrzebny do fotografii kolodionowej na mokro.

Aparat do wizytówek opatentowany przez Adolphe-Eugène Dizderi w 1854 roku. Wykonano osiem ekspozycji na płycie o wymiarach 6,5 na 8,5 cala. Wydruk został następnie wycięty i wklejony na karty wielkości wizytówki, 4 cale na 2,5 cala.

Koń w ruchu. 1878 Zdjęcia z mokrych talerzy. Pierwsze udane zdjęcia poruszającego się konia wzdłuż toru Palo Alto, San Francisco, 19 czerwca 1878 r. Ekspozycja każdego negatywu była mniejsza niż 1/2000 sekundy. Wykorzystano 12 komór podobnych do komory poniżej.

Eastman w 1888 roku opracował doskonały jak na tamte czasy aparat amatorski i dał początek słowu, które od tego czasu stało się synonimem słowa „aparat” – „kodak”. Aparat Kodaka był małym pudełkiem (stąd nazwa „aparat detektywistyczny”), miał nieco ponad 6 cali długości, 3,5 cala szerokości i mniej niż 4 cale wysokości. Może z nim pracować każdy, kto jak napisano w instrukcji potrafi: 1. Kierować kamerą. 2. Naciśnij przycisk . 3. Przekręć kluczyk. 4. Pociągnij za przewód.

Fotografia kolorowa pojawiła się w połowie XIX wieku. Pierwsza stabilna fotografia kolorowa została wykonana w 1861 roku przez Jamesa Maxwella metodą fotografii trójkolorowej (metoda separacji kolorów). Do uzyskania kolorowego obrazu wykorzystano trzy kamery z zainstalowanymi na nich filtrami barwnymi (czerwony, zielony i niebieski). Powstałe obrazy umożliwiły odtworzenie kolorowego obrazu podczas projekcji (a później w druku).

13 grudnia 1902 roku Prokudin-Gorsky po raz pierwszy ogłosił tworzenie kolorowych przezroczy metodą fotografii trójkolorowej.

Stenope (z francuskiego Sténopé) - aparat fotograficzny bez obiektywu, którego rolę odgrywa mały otwór. Stenope służy do rejestrowania ujęć krajobrazu z miękkim obrazem, przypominającym nieco senny obraz.

1 slajd

Dobry fotoportret wykonany przez fotografika pozwala widzowi dostrzec w cechach konkretnej osobowości typ obrazu, który uosabia osoby należące do określonej kategorii społecznej. Taki fotoportret pokazuje to, co typowe poprzez jednostkę, odsłania to, co wewnętrzne poza tym, co zewnętrzne.

2 slajdy

3 slajdy

Portret ze zdjęcia profilowego to nieco odizolowany widok obrazu. Możliwości charakteryzowania wyglądu w nim są ograniczone. Zdjęcie portretowe z profilu jest bardziej uzasadnione, jeśli czaszka nie jest zdeformowana, a rysy twarzy są duże i proporcjonalnie pofałdowane. Ale nawet przy harmonii wszystkich części głowy bardzo ważne jest utrzymanie ich koordynacji tonalnej, ponieważ ciemna masa włosów zwykle ostro kontrastuje z jasną twarzą. W początkowym okresie rozwoju fotografii powszechny był inny rodzaj portretu profilowego – sylwetka. Czarny płaski zarys profilu głowy lub postaci jest tworzony przez źródło światła ukryte za zacienionym przedmiotem.

4 slajdy

Indywidualne fotoportrety uwzględniają rotację głowy oraz ułożenie tułowia. Portretowana osoba może znajdować się przed kamerą (całą twarzą), w trzech czwartych do niej (truacar) lub bokiem (z profilu).

5 slajdów

Na jakość wizualną fotoportretu mają wpływ nie tylko techniki fotografowania, ale także późniejsza obróbka pozytywu. O cechach stylistycznych fotoportretu decyduje jego konstrukcja optyczna, balans światła, wielkość planu itp. Perspektywa liniowa i powietrzna, oddająca głębię przestrzeni, nie odgrywa w fotoportrecie tak dominującej roli, jak np. krajobraz. Ale rozłożenie tonalne światłocienia na trójwymiarowym kształcie głowy i dłoni jest kluczowe.

6 slajdów

W praktyce fotografowania ustalono również klasyfikację opartą na metodach uzyskiwania portretu fotograficznego. Są portrety fotograficzne: reportażowe, z wyłączeniem inscenizacji, i inscenizowane (czyli wyreżyserowane przez reżysera). Każdy inny rodzaj portretu fotograficznego jest zasługą samego obiektu. Powiedzmy portret dziecka. Dzieci są najbardziej niespokojnymi opiekunami. Aktywny sprzeciw wobec jakiejkolwiek rozmyślności zmusza ich do uciekania się do natychmiastowego iw miarę możliwości dyskretnego rozstrzelania.

7 slajdów

Artystyczne portrety fotograficzne, podobnie jak malownicze, dzielą się na indywidualne i grupowe. Dalej kolejno na głowie, klatce piersiowej (lub biuście), talii, kolanie, kręcone (na wysokość). Fotografie otrzymały obecnie najróżniejsze przeznaczenie. Są nie tylko samodzielnym dziełem sztuki, ale także obiektywnym dokumentem naukowym, atlasem anatomicznym, ilustracją informacyjną, okładką książki, plakatem itp.

8 slajdów

Kompozytor I. Sztuka fotograficzna Strawiński”. 1958. USA. Georges Dambier (ur. 1925)

9 slajdów

10 slajdów

11 slajdów

Winstona Churchilla w wieku 7 lat. Portret fotograficzny, 1881. Irlandzkiemu fotografowi udało się uchwycić w twarzy i pozie dziecka wszystkie te cechy wyższości, które wyróżniałyby Churchilla w jego dorosłej karierze. MV Alpert. "Walka".

12 slajdów

13 slajdów

Osobne miejsce zajmuje tzw. „oficjalny” fotoportret. Dowolna interpretacja obrazu jest tutaj całkowicie wykluczona. Filmowanie, realizowane zazwyczaj w miejscu pobytu urzędnika (na kongresie, przyjęciu, spotkaniu), z reguły powierzane jest profesjonalistom o najwyższych kwalifikacjach.

14 slajdów

W dziale fotografii grupowych znajdują się także zdjęcia różnych delegacji, pracowników instytucji, absolwentów placówek oświatowych itp. Autorzy takich obrazów często zmuszeni są ograniczyć się do czystej dokumentacji. Zdjęcie autorstwa NN Sażyna, Moore. Portret grupowy rodziny Zoshchenko. Zespół szkoleniowy 162 Pułku Rezerwy Piechoty. 1917 (GAPO. F. r-1693, op. 1, d. 84.)

15 slajdów

16 slajdów

Fabuły gatunkowe oparte są na dowolnej sytuacji życiowej. Zjawisko i dynamizm są nieodłączną częścią takich fotograficznych portretów. Bohaterowie ukazywani są w ich relacji ze sobą – w zderzeniu lub wspólnocie zainteresowań i uczuć. Ujęcie rodzajowe często zamienia się w zdjęcie grupowe, jeśli autorowi udało się wydobyć indywidualny charakter każdej postaci. Zdjęcie grupowe jest bardzo trudne do zrobienia. Tylko umiejętne techniczne wykonanie pozwala nam pokazać w nim typowe cechy ludzkiego charakteru.

17 slajdów

Wśród tematycznych fotoportretów powinny znaleźć się również zdjęcia przedstawiające osobę bezpośrednio na stanowisku pracy w środowisku pracy. Specyfika produkcji, profesjonalne atrybuty - cała atmosfera akcji służy jako dodatkowa cecha obrazu

18 slajdów

Dopiero przejście na druk projekcyjny (powiększenie) umożliwiło uzyskanie portretów fotograficznych dowolnej wielkości. Ogromne plakaty i panele fotograficzne nie są już rzadkością. Postęp techniki fotograficznej poszerzył zakres portretów fotograficznych. Zmieniły się też same metody strzelania. Pojawienie się aparatu małoformatowego, bardzo czułej emulsji i obiektywów o dużej aperturze znacznie rozwinęło fotoreportaż. Bez fotografii reportażowej nie może być żywych scen rodzajowych. Operacyjna dokumentacja prawdziwych faktów i zjawisk daje prawdziwy obraz relacji międzyludzkich, przekonująco oddając piękno i wielkość obrazu naszego współczesnego. Zdjęcie: Julia Cameron Zdjęcie: Edward Curtis

19 slajdów

Technologia procesów fotograficznych niezmiennie wpływa na ewolucję form portretu fotograficznego. Fotografia uzyskana z negatywu techniką druku stykowego przez długi czas mieściła się w granicach formatu płyty. Stąd rozpowszechnienie fotoportretów – „wizytówek” (wielkości wizytówki) oraz tzw. fotoportretów „szafkowych”. Ograniczony rozmiar odbitek zrodził postrzeganie fotografii jako sztuki małych form. MARY (Mary) (1867-1953), królowa Anglii, żona króla angielskiego

20 slajdów

Dostępne są również zdjęcia w gatunku fotoportretu satyrycznego. Kiedyś znany artysta fotograficzny G. Petrusov z powodzeniem pracował w tej dziedzinie, wykazując subtelne poczucie humoru i umiejętności techniczne. Portrety fotograficzne tego gatunku uzyskuje się poprzez rozciąganie mokrego pozytywu, zginanie papieru podczas drukowania, nakładanie negatywów i inne techniki. Londyński fotograf Vigi zaprojektował nawet specjalny obiektyw, który daje karykaturę twarzy. Oczywiście fotokomiksy nie mają nic wspólnego ze zwykłymi rysunkami, ale pokazują, jak różnorodnymi technikami dysponuje współczesny fotograf przy tworzeniu fotograficznego portretu.

21 slajd

Autoportret to także rodzaj fotoportretu. Autoportret można również wykorzystać w złożonej kompozycji, jak próbował to zrobić L. Lazarev, łącząc własny wizerunek z profilem innej osoby. Autoportret z babcią 1959

Kompozycja Podmiot jest „bohaterem” kadru, musi
najpierw przykuj uwagę widza. Lubię to
osiągnąć? - Przede wszystkim widz musi mieć
możliwość zobaczenia go właściwie, więc obiekt
musi być ostry i dobrze oświetlony.
Ale co, jeśli w kadrze nie ma jednego obiektu, ale kilka? -
Sam zdecyduj, na który patrzysz
zatrzymał się w pierwszej kolejności, to właśnie ten obiekt jest potrzebny
strzelać jako „bohater”.

Kompozycja

Jeśli przesuniesz wazon ze środka
ramkę, a następnie rozważając
z takiego kadru widok widza jest wszystkim
wróci do centrum, ale z
pytanie: „Być może
na środku stołu (w środku kadru)
kłamie coś, czego ja nie
zauważony?"

Kompozycja

Który strzał waszym zdaniem jest najlepszy?

Kropki

Przeprowadź eksperyment: wyłączając „AUTOFOCUS”,
celowo rozmyj zdjęcie tak, aby
cały obraz zamienił się w kolorowe plamy
różne rozmiary (jeśli wizjer w twoim
kamera kolorowa). Które z miejsc przyciągnie Twoje
uwagę przede wszystkim?

Kropki

Gdyby obraz był ostry, nie obchodziłoby cię to
zwracał uwagę na przedmioty (kościół, samochód)
w tej kolejności: pierwszy najwięcej
duży, a następnie natychmiast twoja uwaga
przełączy się na ruchomy, czerwony.
Ta właściwość percepcji wzrokowej przyszła do nas
odległych przodków, kiedy zwracać uwagę na duże
lub, co więcej, poruszający się obiekt, czasami miał na myśli
"być albo nie być".
Wniosek: uwaga Twoich przyszłych widzów będzie
przyciągają przede wszystkim duże, ruchome,
jaskrawo kolorowe, jasno oświetlone przedmioty.

Uwaga: stopień uwagi wizualnej
kolor obiektu dokładnie odpowiada naszej percepcji
kolory ulicznej sygnalizacji świetlnej – przede wszystkim czerwień
(agresja, niebezpieczeństwo), następnie żółty (neutralny
uwaga) i wreszcie zielony (wszystko ok) od
zielony kojarzy się u ludzi z naturalnym
kwiaty (trawa, liście drzew) i czerwony -
wręcz przeciwnie, z niepokojem, niebezpieczeństwem (płomień, krew).

Głębia kompozycji

Wyobraź sobie zdjęcie: „Skromne polne kwiaty
dorastał na poboczu wiejskiej drogi, która
skręcił, ukrył się w zagajniku i wtedy
pojawił się ponownie i rozciągnął po horyzont.

Ta niezdarna improwizacja opisuje dystrybucję
uwagę wzrokową na obiekty w zależności od ich
odległość od obserwatora (kamery):
kwiaty najpierw (pierwszy plan głębokości),
potem - pobocze (tło),
zakręt drogi (trzeci),
dalej - zagajnik (czwarty) i wreszcie
ta część drogi, która „ciągnie się po horyzont” (piąta).
Zgodnie z tą zależnością będziesz musiał
komponuj ujęcia podczas fotografowania:
najważniejszy obiekt znajduje się najbliżej aparatu,
drugorzędny - z dala,
a reszta, nieistotna, będzie odgrywać rolę tła
odległe plany.

Zdarza się, że w kadrze gra odległy plan, czyli tło
główna rola. Jeśli odsuniesz duży przedmiot od
środek kadru i być może nieco usunąć z niego ostrość.
Taka kompozycja z pewnością sprawi, że odbiorca będzie postrzegany
zawartość ramki w kolejności:
zachód słońca - podświetlenie - szkło, a nie odwrotnie.
Ogólna zasada: Im bardziej złożona kompozycja kadru, tym bardziej
osoba potrzebuje więcej czasu na pełnię
postrzeganie.

Które ujęcia wyglądają lepiej?

Najbardziej udane klatki to te, w których głębia kadru jest jakby „podkreślona”.
namacalny, to znaczy pierwszy plan jest połączony z tłem. Na przykład: samochód wyścigowy
szybko zbliża się do mety lub chłopiec celuje pod wiatr
pistolety w blaszanej puszce, założone na kołek ogrodzeniowy - to oczywiste, że takie
kadry mają bardzo niekorzystny „wygląd”, jeśli są kręcone z boku, „z profilu”.
Jeśli znajdujesz się z boku toru wyścigowego lub obok fabryki konserw
puszka, oprawa okaże się bardzo efektowna.
Jeśli staniesz tak, aby dom był widoczny „z rogu”, w kadrze uzyska
trójwymiarowość, a wypełnisz przestrzeń między pierwszym planem (najbliższym).
narożnik domu) i odległy (ganek). Z punktu widzenia geometrii położenie względne
obiekty planów bliskich i dalekich podlegają prawu perspektywy liniowej.
Dlatego za każdym razem, gdy robisz kadr z obiektami w różnych odległościach od aparatu,
mentalnie nałóż linie perspektywy na obraz, promienie odbiegające od
centrum perspektywy. To prawda, radziłbym jeszcze raz zmienić punkt strzelania i
stań ​​tak, aby ganek był bliżej, a róg domu był dalej.

"Nie ma planu - szukaj kąta!"

Jeśli umieścisz kamerę na ziemi, podnieś
obiektyw, żeby nie leżeć obok aparatu, tylko po prostu
schyl się i spójrz w wizjer: zarówno samochód, jak i
Wieża cudem "zmieściła się" w kadrze, a to
będzie kadr wzięty „z niższego kąta”.
Zmienił się „charakter” obrazu pod tym kątem: jak imponująco wygląda
Twój samochód! Ale aby nieco zmniejszyć znaczenie obiektu,
Możesz go „upokorzyć”, robiąc kadr „z góry”, gdy kamera jest w środku
w najprawdziwszym tego słowa znaczeniu „patrzy w dół”.

Wielkość planów

Odległy plan lub „DLN”,
To wtedy osoba jest postrzegana jako całość, jak mówią w scenariuszach filmowych - to jest malutkie
postać ludzka na ogromnej pustynnej równinie (zwykle taki jest plan
i używany).

Wielkość planów

Plan ogólny lub „GEN”
Plan ogólny lub „OGÓLNY” - Obiekt „od stóp do głów. Postać ludzka
w pełni.
Powietrze. Określenie, ile potrzebujesz, jest dość trudne, ponieważ zależy od
tło, na którym znajduje się Obiekt: im ciekawsze, tym bardziej znaczące tło, tym
można zostawić więcej „powietrza”. Można jednak podać przybliżoną wartość tego
parametr w zależności od wielkości planu: "OGÓLNE" - "powietrze" jest równe wysokości
„głowa + szyja przedmiotu”

Wielkość planów

Plan średni. Wyznaczony SRD-2
Są dwa: „na biodrach” i „na pasie”. Zaplanuj „po biodra” lub „Hollywood”:
dolna krawędź ramy znajduje się na wysokości najszerszej części bioder.
„powietrze” jest równe wysokości: od góry
od głowy do brody w „Hollywood” („wg
biodra")

Wielkość planów

Plan średni. Wyznaczony SRD-1
„Półplan”, gdzie dolna krawędź ramy biegnie na wysokości spodni
pas, - standardowy do strzelania lub na klatkę piersiową.
„powietrze” jest równe wysokości: od brwi do brody

Wielkość planów

Zbliżenie lub „KRP”
Uwaga: na planie oczy powinny być zawsze „na linii”.
horyzont." Wyjątkiem są klatki wzięte z góry lub z dołu
kąt.
„KRP” - „powietrze” jest równe wysokości od linii brwi do
górna granica głowy Obiektu; „KRP” (tylko twarz)
- "Powietrze" całkiem sporo.

Wielkość planów

Szczegół.
Jeden z najlepszych sposobów na przyciągnięcie uwagi widza
na „małym” działaniu Obiektu lub na jego wewnętrznym,
"stan psychiczny.
"SZCZEGÓŁ" - nie ma "powietrza". Jeśli w kadrze znajduje się kilka obiektów,
„powietrze” jest wybierane według największego z nich. Ale nie tylko z góry - i
po lewej i po prawej stronie Obiektu w kadrze też jest wolne miejsce
rodzaj „powietrza”.

Mężczyzna w ramce Praca domowa

Zrób zdjęcie ogólne
Plan średni
planie pokoleniowym
Zbliżenie
Szczegół
Zastrzel osobę w kadrze
osiem

Lekcja 3 Podstawa sztuki operatorskiej: umiejętność widzenia i wyboru.

Rozwój metodyczny nauczyciela sztuk plastycznych najwyższej kategorii MBOU „Liceum nr 50” w Uljanowsku

Zhaleeva E.V.

Cel:

• Opanowanie elementarnych podstaw procesu filmowania: zapoznanie się z aparatem fotograficznym i wideo, wybór trybu fotografowania.

Zadania:

• Znać specyfikę obrazu fotograficznego i technologię procesów jego wytwarzania.
• Zapoznaj się z podstawowymi zasadami fotografowania i fotografowania.

Wyniki osobiste

• Rozwój świadomości estetycznej poprzez rozwój dziedzictwa artystycznego narodów Rosji i świata, twórczość o charakterze estetycznym;
• Kształtowanie odpowiedzialnej postawy wobec uczenia się, gotowości i zdolności uczniów do samorozwoju i samokształcenia w oparciu o motywację do uczenia się i poznawania;

Wyniki metapodmiotu

• Umiejętność samodzielnego określania celów własnej nauki, stawiania sobie i formułowania nowych zadań w nauce i działalności poznawczej, rozwijania motywów i zainteresowań własnej działalności poznawczej;
• Umiejętność skorelowania swoich działań z planowanymi rezultatami, kontrolowania swoich działań w procesie osiągania wyniku, określania metod działania w ramach proponowanych warunków i wymagań, dostosowywania swoich działań do zmieniającej się sytuacji;
• Umiejętność oceny poprawności realizacji zadania edukacyjnego, umiejętność samodzielnego jego rozwiązania.

Wyniki przedmiotu

• Zdobywanie doświadczenia w określonych formach działalności artystycznej, w tym opartych na ICT (fotografia cyfrowa, nagranie wideo, grafika komputerowa, animacja i animacja).

Sprawdzanie pracy domowej

• Fotoreportaż o sobie.
• Do kogo jest adresowany?
• Czy to miało sens?
• Jaka grupa ludzi jest tym zainteresowana?

Aktualizacja:

• Jakim rodzajem sztuki jest fotografia?
• W jaki sposób powiązane są te rodzaje sztuk pięknych?
• Czy wszystkich fotografów można nazwać artystami?
• Jakie gatunki występują w sztukach wizualnych?
• Czy te gatunki istnieją w fotografii?

Kompozycja w malarstwie

• Co to jest kompozycja?
• Kompozycja w malarstwie to taki układ elementów obrazu na płaszczyźnie obrazu, który pozwala wyrazić myśl z największą kompletnością i siłą. Na każdym obrazie artysta stara się zbudować kompozycję, ukazując obiekt w jak najbardziej wyrazistej formie. Odrzuca się wszystko, co zbędne, pozostawia się tylko to, co niezbędne, drugorzędne podporządkowuje się głównemu. Działają wszystkie elementy konstrukcji kompozycyjnej, bogactwo środków wizualnych. Wszystko wpływa na siłę emocjonalnego oddziaływania obrazu. Rozmiar obrazu zależy od jego zawartości.

• Udaną kompozycję uzyskuje się w przypadku, gdy widz nie ma ochoty przesuwać lub zmniejszać krawędzi płótna, zmieniać jego skali.

Kompozycja – co łączy?

• Jak myślisz, czy jest jakieś podobieństwo w rozwiązaniu kompozycyjnym dla obrazów i fotografii?

Powtórzenie: format i rozmiar płótna

• Okrągły format płótna nadaje obrazowi spokojną kompletność.
• Owalny portret dobrze komponuje się z okrągłością twarzy i nadaje przedstawianej osobie miękkość i kobiecość.

Wydłużony prostokątny format potęguje monumentalne wrażenie obrazu.

Nadmiernie rozciągnięte w poziomie prostokątne płótno krępuje i pomniejsza przedstawiony obiekt.

Punkt widzenia w kompozycji

Tam, gdzie obiekty z martwą naturą układają się z większym powodzeniem

Punkt i kąt widzenia

Który krajobraz wygląda lepiej na zdjęciach

centrum kompozycji

• Na obrazie wszystko powinno być podporządkowane wyrażeniu głównej myśli, idei. Integralność kompozycji polega na podporządkowaniu temu, co drugorzędne, temu, co główne, spajaniu całego obrazu w jeden organizm dzieła. Każdy szczegół powinien wnieść coś do rozwoju pomysłu. Wtórne, nieistotne w kompozycji nie powinny być oczywiste, główny obiekt powinien być podkreślony.

równowaga

Które zdjęcie

W której figurze osiągnięto równowagę?

Kontrast

Na obrazie Surikowa „Mieńszykow w Berezowie”

kontrast kompozycyjny tworzy potężna postać Mienszykowa

i niski sufit chaty,

co sprawia wrażenie

że nieposkromiona postać Mienszykowa jest ciasna w tym pokoju,

jak w klatce. Obraz kontrastuje ze sobą i ubraniami

siostry: haftowany złotem płaszcz Aleksandry i czarna szata

Mary czuje różnicę w ich charakterach.

Rytm w kompozycji

W malarstwie rytm przejawia się w powtarzalności poszczególnych elementów obrazu:

w naprzemiennych stosunkach skali,

w układzie plam świetlnych i barwnych,

w dynamice gestów, ruchów itp.

Konstrukcje rytmiczne realizowane są zarówno na samej płaszczyźnie obrazu, jak iw rozmieszczeniu obiektów w przestrzeni. Rytm jest zawsze związany z treścią obrazu i podporządkowany jest ekspresji idei. Rytm pomaga widzowi skupić się na ważnych punktach i w określony sposób go koryguje, wzmacnia wyrazistość obrazu.

Rola koloru w kompozycji

• Percepcja koloru jest nierozerwalnie związana z percepcją przedmiotu obrazu.
• Tak jak harmonia dźwięków w poezji jest nierozerwalnie związana ze znaczeniem i treścią, tak estetyczne oddziaływanie kolorów, ich harmonia i piękno są nierozerwalnie związane z przedstawianymi przedmiotami i ich właściwościami.
• Kolorystyka w malarstwie jest wynikiem znajomości przez artystę rzeczywistego bogactwa barw natury.

nowy materiał

• Proponuję, aby uczniowie wyszukali w Internecie 10 zasad kompozycji w ramce i zapisali je obok

wymagania dotyczące kompozycji w sztukach wizualnych.

Następnie podsumowujemy informacje.

Wymagania dotyczące kompozycji w malarstwie i fotografii

• format i rozmiar;
• punkt i kąt widzenia;
• centrum kompozycji;
• Złota sekcja;
• równowaga;
• kontrast;
• rytm:
• kolor.

• Do kontrast ;
• R zakwaterowanie ;
• R balansować ;
• H Złota sekcja ;
• D przekątne ;
• F format ;
• T punkt strzelecki ;
• N kierownictwo ;
• C swiatlo ;
• D ruch w kadrze .

1. Kontrast . W kadrze powinien być kontrast:

Jaśniejszy obiekt jest fotografowany na ciemnym tle, a ciemny na jasnym.

Nie fotografuj osób na żółtym lub brązowym tle, kolor zdjęcia będzie nienaturalny. Nie fotografuj ludzi na kolorowym tle, takie tło odwraca uwagę widza od modelki.

2. Zakwaterowanie. Ważne elementy fabuły nie powinny być umieszczane przypadkowo. Lepiej, żeby tworzyły proste geometryczne kształty.

3. Równowaga . Obiekty znajdujące się w różnych częściach kadru muszą pasować do siebie pod względem objętości, rozmiaru i tonu.

Znany był już w starożytnym Egipcie, jego właściwości badali Euklides i Leonardo da Vinci. Najprostszym opisem złotego podziału jest to, że najlepszym punktem do zlokalizowania obiektu jest około 1/3 poziomej lub pionowej granicy kadru. Lokalizacja ważnych obiektów w tych punktach wizualnych wygląda naturalnie i przyciąga uwagę widza.

5. Przekątne. Jedną z najskuteczniejszych technik kompozytorskich jest kompozycja diagonalna. Jego istota jest bardzo prosta: umieszczamy główne obiekty ramy wzdłuż przekątnej ramy. Na przykład od lewego górnego rogu ramki do prawego dolnego rogu.

Ta technika jest dobra, ponieważ taka kompozycja nieprzerwanie prowadzi wzrok widza przez całe zdjęcie.

6. Sformatuj .

Jeśli kadr jest zdominowany przez pionowe obiekty - rób pionowe klatki.

Jeśli fotografujesz krajobraz, rób zdjęcia poziome.

7. Punkt strzelecki . Wybór punktu fotografowania bezpośrednio wpływa na emocjonalny odbiór obrazu.

8. Kierunek. Nasz mózg jest przyzwyczajony do czytania od lewej do prawej, więc oceniamy również obraz. Dlatego centrum semantyczne lepiej jest umieścić po prawej stronie ramki. W ten sposób oko i obiekt wydają się zbliżać do siebie. Zawsze miej to na uwadze.

9. Kolorowa plama . Jeśli w jednej części kadru znajduje się plama koloru, to w drugiej musi być coś, co przyciągnie uwagę widza. Może to być inna plama koloru lub na przykład akcja w kadrze.

10. Ruch w kadrze . Podczas filmowania poruszającego się obiektu (samochód, rowerzysta) zawsze zostawiaj wolną przestrzeń przed obiektem. Mówiąc najprościej, ustaw obiekt tak, jakby właśnie „wszedł” w kadr, a nie „z niego wyszedł”.

Wskazówki od doświadczonego fotografa

Pamiętajmy o kilku prostych zasadach:

• W przypadku portretu najlepszy punkt znajduje się na wysokości oczu.
• Do portretu pełnej długości - do pasa.
• Spróbuj ustawić ramkę tak, aby linia horyzontu nie dzieliła zdjęcia na pół. W przeciwnym razie widzowi trudno będzie skupić się na obiektach w kadrze.
• Trzymaj aparat na poziomie obiektu, w przeciwnym razie ryzykujesz zniekształceniem proporcji. Obiekt oglądany z góry wydaje się mniejszy niż jest w rzeczywistości. Tak więc, strzelając do osoby z najwyższego punktu, na zdjęciu otrzymasz osobę niskiego wzrostu. Fotografując dzieci lub zwierzęta, opuść się na wysokość ich oczu.

Odbicie

• Wniosek: wymagania dotyczące kompozycji w sztuce plastycznej i fotografii są takie same, co po raz kolejny dowodzi, że fotografia jest rodzajem sztuki plastycznej. Różnica polega na tym, że w malarstwie używają farb, w fotografii - malarstwa światłem.

Praktyczna praca

• Skomponuj martwą naturę z przedmiotów szkolnych.
• Robić zdjęcie.
• Wyjaśnij wybór formatu, punktu i kąta widzenia, kolorystyki.
• Do kogo skierowany jest obraz?
• Czy zostanie to rozpatrzone i jak długo?

Praca domowa

• Rób zdjęcia zwierzakom za radą doświadczonego fotografa.

Źródło informacji

• https://fototips.ru/category/praktika/

• http://oformitelblok.ru/

Weź osobę (za rękę) i połóż ją na krześle na środku pokoju. Skieruj aparat na niego tak, aby cała postać znalazła się w kadrze, od stóp do głów, i przyjrzyj się uważnie: co oprócz osoby i ściany za nią znajduje się w kadrze? - Zrób taką ramkę długą na dziesięć sekund. Niech ktoś usiądzie na krześle i zastanowi się: - Po co coś mówić? Po co to wszystko? Pozwól mi umyć włosy, dobrze? - W żadnym wypadku! - ty odpowiedz. - Proszę siedź cicho póki ja tu jestem... Zostaw aparat na statywie i "wyczyść tło". Zrób to tak, aby tylko osoba pozostała w kadrze na tle ściany, z małym kawałkiem podłogi pod stopami. Nagraj dziesięć sekund takiego zdjęcia. – No, jak długo mam tak siedzieć? - twój podopieczny jest już oburzony. Przeproś go i pozwól mu odejść, a sam przekonaj się, co masz. - W pierwszym kadrze "rekwizyty" - meble lub ich fragmenty, przedmioty gospodarstwa domowego otaczające twojego bohatera, bezwarunkowo wyznaczają miejsce akcji ("salon") i niejako tworzą dla niego naturalne "siedlisko". W drugim kadrze mężczyzna, siłą pozbawiony takiego orszaku, siedzi w kadrze „jakby nagi”. Jednak spójrz jeszcze raz na te dwie klatki i wsłuchaj się uważnie w słowa wypowiadane przez twoją postać. Czy nie jest prawdą, że w „pustym” kadrze, na tle gładkiej ściany, jego słowa wydają się bardziej wymowne, jego mowa „brzmi” wyraźniej? - Przecież w tym kadrze nic nie stoi na przeszkodzie, aby widz skupił się na nim, na bohaterze, na tym, co on mówi. W pierwszej klatce, „z meblami”, twój bohater „tonie” w otaczających go rzeczach, czyli dokładniej, zgodnie ze znaczeniem kadru, rzeczy te niewłaściwie współdziałają z twoim bohaterem, nie są potrzebne w frame, ponieważ nie są nawet drugorzędnymi postaciami ramki. Teraz, jeśli twojemu podopiecznemu została jeszcze kropla cierpliwości, daj mu kartkę papieru i posadź go w tej samej pozycji w „pustej ramie”. Zapisz kolejne dwadzieścia sekund. - No i co zrobić z tym papierem? – pyta, obracając papier w dłoniach. Jeśli później pokażesz tę ramkę komuś obcemu, „rozszyfruje” ją w następujący sposób: „Osoba otrzymała list lub napisała wiersz, ale wstydzi się czytać i całkiem naturalnie udaje, że nic nie jest napisane na kartce”. - Tak „działają” prawdziwe rekwizyty, pojedynczy element rekwizytów, który nie pojawił się w kadrze przypadkowo, ale został do niego wprowadzony celowo!